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Non lasciarmi

sicomoroequipe — Sun, 24 Jul 2011 18:56:50 +0000

Splendido melodramma gentile e sofferto diretto dal regista di un unico film, l’interessante One Hour Photo, e di parecchi videoclip musicali. Il suo nome è Mark Romanek e vale la pena segnarselo perché è riuscito in un’impresa. Realizzare un film di fantascienza senza effetti di qualsiasi tipo e sorretto soltanto dall’interpretazione di tre giovani attori, Keira Knightley, Andrew Garfield e Carey Mulligan, uno più bravo dell’altro, e soprattutto prendendo dalla fantascienza il vero cuore, nemmeno troppo nascosto: le domande di senso. Da questo punto di vista, il film, sospeso in un’atmosfera indefinita e segnato da colori autunnali, si configura come un grande film sulla domanda fondamentale dell’essere umano. Chi sono io? Qual è il mio destino? A che cosa servo? Perché vivere e morire? Sono le domande che i tre protagonisti si pongono, sempre e continuamente. Se le pongono nell’infanzia – il prologo del film – vissuta all’interno delle mura apparentemente calde e accoglienti del college di Hailsham gestito da una preside (Charlotte Rampling) materna e severa nei confronti di questi orfani di padre e di madre e dal destino segnato. Se le pongono nel rapporto tra di loro e nelle contraddizioni tipiche dell’adolescenza, quando l’amicizia e l’amore si confondono, quando bisogna convivere con i sentimenti più diversi e quando le pulsioni sessuali rischiano di prendere il sopravvento. Soli di fronte a un mondo che – eccezion fatta per un’insegnante del college – non si accorge nemmeno della loro esistenza, i tre ragazzi cercano, come riescono, di farsi compagnia nell’affronto di un dolore che pare certo e davanti a un destino che pare prestabilito sin dai primi momenti della loro vita. Eppure i tre sognano che l’amore e l’amicizia tra loro duri per sempre o sperano, almeno, di ottenere dal Potere una deroga, qualche anno in più, prima del distacco inevitabile. Sperano contro ogni speranza. Sono almeno due i livelli con i quali accedere al film: il primo è eminentemente cinematografico. Non lasciarmi porta avanti lo stesso discorso di Gattaca, capolavoro della fantascienza delle domande degli anni 90, e Romanek, attraverso uno stile sobrio, privo di fronzoli, rimane ancorato all’essenziale. Più del non senso di un mondo in cui il progresso tecnologico ha ridotto l’uomo a oggetto di consumo, conta il cuore di questi ragazzi che amano, sperano, vivono e soffrono di fronte alla contraddizione della vita che appartiene a tutti, per cui si ama per sempre, nonostante l’amore sia, per sua natura terrena, finito. Scrive ne Il piccolo principe Saint-Exupéry: “La prova che il piccolo principe è esistito sta nel fatto che era bellissimo, che rideva e che voleva una pecora. Quando uno vuole una pecora è la prova che esiste”. La prova che i tre ragazzi esistono e sono uomini è che si amano e desiderano farlo per sempre. In questo senso, Romanek, da un punto di vista stilistico, riprende con grande rispetto il cinema di Kubrick, il cui 2001, oltre a essere il capolavoro definitivo del cinema delle domande fondamentali della vita, è anche uno dei film di culto del regista di One Hour Photo. Stesso approccio scientifico, stessa apparente freddezza rispetto alla sofferenza dei protagonisti che sembrano lasciati soli a se stessi. Eppure, a ben vedere, come nel finale di Orizzonti di gloria, o in tanti momenti di Barry Lyndon e dello stesso 2001, Kubrick piange sommessamente e in silenzio sulle tante crudeltà che il Destino infligge ai suo personaggi, così fa anche Romanek, nelle sequenze in ospedale con protagonisti i donatori e nel finale, carico di attesa davanti a un orizzonte assai evocativo.
La seconda chiave di lettura è quella metaforica e simbolica. Il film, solo a una prima frettolosa analisi, parla di altro da noi, di un altro luogo e di un altro tempo. In realtà Non lasciarmi parla del qui ed ora. Lo dicono i toni fiabeschi e anche kafkiani del prologo; lo dice la mancanza praticamente assoluta di riferimenti spazio-temporali, ma lo dice soprattutto l’idea di fondo del film, e cioè che tutti siamo “donatori”.

Simone Fortunato tratto da Sentieri del Cinema

Habemus Papa, non manca Dio, ma l’uomo

sicomoroequipe — Fri, 22 Apr 2011 11:42:16 +0000

Uno “strizzacervelli” è chiamato a risolvere il caso del neo-Papa che non accetta l’elezione e scappa. Lo psicoanalista Luigi Ballerini ha visto per noi il nuovo film di Nanni Moretti. Dove «l’inadeguatezza umana è spacciata per inconsistenza»

Quello che rende Habemus Papam un’occasione mancata non è tanto l’assenza di Dio, ma la totale assenza dell’uomo. Nel film di Nanni Moretti, nessun personaggio ha lo spessore proprio dell’umanità: ciascuno è ridotto a macchietta e caricatura. E la vita stessa è ridotta a teatro, non a caso la narrazione si serve de Il gabbiano di Cechov.

Gli anziani cardinali sono ritratti con ridicoli aspetti infantileggianti, costretti a gigionare più o meno goffamente dentro la divisa porporata. Anche quando giocano non lo fanno con la serietà dei bambini, piuttosto nella riduzione dell’infanzia pensata spesso dagli adulti. Fra loro, forse l’unico che spicca è Gregori, il candidato forte all’elezione pontificia, le cui parole sono limitate, ma i cui sguardi preoccupati sono spesso densi di dignità e vigore. O quanto meno si distingue, dando l’impressione che stia pensando qualcosa, che si stia facendo un’idea personale di ciò che accade e cerchi delle possibili soluzioni. Perché l’irrealtà del collegio cardinalizio morettiano non è appena nel fatto che quegli uomini non pregano, ma che non pensano nemmeno.

Poi c’è Moretti attore, che interpreta lo psicoanalista chiamato a “studiare” il caso del Papa riluttante. Il personaggio è un professionista senza alcuna credibilità, un soggetto da cui nessuno andrebbe mai in cura: idem la moglie (Margherita Buy), che fa lo stesso mestiere. Entrambi preda delle loro stesse questioni, compiono errori grossolani: saltano alle conclusioni senza verificare se esista davvero una domanda; peggio, confondono ingenuamente l’affermazione gridata e ripetuta «aiutatemi!» con una richiesta di cura, quando dovrebbero sapere che tale dichiarazione non basta affatto: l’analisi non è un atto transitivo, compiuto sul soggetto da un esperto, ma la forma di un rapporto sempre a due, un lavoro comune. In particolare, la Buy si porta al bar (ma perché?) il suo paziente, neanche avesse dietro un barboncino-toy, inserendolo senza ragione in un contesto inadeguato e in cui stona.

Ma è il novello Papa che sconcerta. Di lui non sappiamo nulla fino a che non lo vediamo agire una vera e propria drammatizzazione isterica, con grida al limite del patetico davanti al finestrone spalancato su Piazza San Pietro con la folla in attesa. Lo sentiamo lamentarsi urlando di notte, come solo uno psicotico: più che in Vaticano sembra di trovarsi in un manicomio pre-Basaglia e Moretti più che uno psicoanalista pare uno psichiatra di guardia notturna forzato nell’impersonale stanzino di un ospedale. Il personaggio, ben interpretato da Michel Piccoli, oscilla fra la drammatizzazione isterica sempre in agguato e lo sguardo catatonico proprio della demenza: quel modo stordito e straniato che ha di osservare la realtà mentre vaga per Roma senza meta lo documenta a lungo.

C’è un grande rischio nel film di Moretti: che tutto questo impianto venga scambiato per la “profondità” dell’uomo, la sproporzione del limite umano di fronte a un’impresa impossibile, al suo destino forse: «L’inadeguatezza dell’uomo», come ha detto lo stesso regista. Ma Habemus Papam è tutta superficie, condita con qualche – anche coraggiosa – sciocchezza psicosimile (la tiritera sul “deficit di accudimento” della Buy-psicoanalista) e un po’ di espedienti pseudo-culturali (l’inserimento, non pienamente riuscito, di Cechov e il teatro).

Non c’è traccia di pensiero, non c’è meditazione alcuna. Per questo manca l’uomo: di fronte a una situazione drammatica non si vede elaborazione, ma solo una smarrita emozione con le conseguenti reazioni. Cancellato il dramma, resta appunto la commedia, peraltro senza svolgimento né evoluzione. Assistiamo a una riduzione dell’umano in cui il limite viene spacciato per inconsistenza strutturale, per inadeguatezza di principio di fronte al reale e alle questioni che pone. Tutti poveretti al mondo.

Non è vero invece che l’uomo è nulla. Come non è vero che è definito da un tale coacervo di contraddizioni incomprensibili. Il punto distintivo del soggetto non è, innanzitutto, la sua inadeguata fragilità, ma è la dignità che nessuna condizione contraddittoria può sottrarre. E la libertà, che gli permette sempre di pensarsi legato a un altro, cui rivolgersi per chiedere e ricevere anche ciò che eventualmente gli manca.

È per questo che nel film di Moretti nessuno prega: non perché manchi Dio cui rivolgersi, ma perché mancano gli uomini della domanda.

Tratto da Tracce.it

Un film discusso, i lettori e noi

sicomoroequipe — Wed, 20 Apr 2011 19:45:22 +0000

Caro direttore,
tutti (o quasi) i giornali sono stati sostanzialmente d’accordo con quando titolato in prima pagina e nelle analisi interne di “Avvenire”: nel film “Habemus Papam” di Nanni Moretti c’è un ritratto umano, ma manca la fede. Ancora una volta, nei nostri tempi, in un’opera artistica, del cattolicesimo viene messa in evidenza la dimensione orizzontale, non quella verticale. Ancora una volta ho ripensato a quanto l’allora cardinale Joseph Ratzinger disse nel 1988, e ribadì nel 1991, in “Svolta per l’Europa?”: «Nella letteratura contemporanea, nell’arte figurativa, nei film e nelle rappresentazioni teatrali domina prevalentemente un’immagine cupa dell’uomo. Ciò che è grande e nobile desta a priori sospetto; dev’essere tolto dal suo piedistallo e ridimensionato». Cordialmente,

Raffaele Vacca – Fondatore del Premio Capri S. Michele

Gentile direttore,
rientrato in Assisi dopo un’indimenticabile giornata trascorsa a Roma con un caro amico, mi sono ritrovato anch’io, quasi per caso, alla proiezione dell’Habemus Papam di Nanni Moretti, solleticato da un battage mediatico che negli ultimi giorni era diventato sempre più insistente. Speravo, in cuor mio, che la pellicola potesse raffigurarmi il successore di Pietro con tratti di umanità. La realtà, purtroppo, è ben altra: il film mi è apparso una cinica pantomima, di linguaggio ibrido (tra il comico, il realistico e l’introspettivo, senza essere né l’uno, né l’altro, né l’altro ancora), dove l’icona impenetrabile diveniva eroe dello sberleffo, dove la norma ripiegava nella normativa a rovescio, dove la sacralità cedeva il posto al ridicolo e il sentire individuale, che avrei voluto realmente conoscere, era ridotto ad una pietosa e incomprensibile sindrome di Peter Pan. Vorrei dire ai curatori del film che è difficile emulare Pirandello o Svevo se non si possiedono analoghe qualità artistiche…

Luigi Proietti, Tordibetto di Assisi (Pg)

Gentile direttore,
ho visto ieri Habemus Papam di Moretti. Ma no, si sbaglia Salvatore Izzo. Non c’è offesa, non c’è dileggio, per me neanche satira o facile ironia, che francamente era quello che “sospettavo” prima della visione. Anzi, è un racconto a modo suo intimamente religioso. Certo, di una religiosità molto umana, popolaresca, un po’ “alla romana” ma senza cadere mai nel solito cinismo e mai nell’anticlericalismo (altra intenzione che “sospettavo” prima di vederlo…). Su tutto, poi, una interpretazione del candidato-Papa di Michel Piccoli con toni di una misura e di una simpatia umana straordinari: nessun altro film laico ha mai raccontato in modo così umanamente affettuoso e rispettoso la figura di un Papa (e anche quella degli altri porporati e abitanti del Vaticano). Credo che, alla fine, questo è un film che resterà tra i film più paradossalmente cattolici. Con grande stima e molti cordiali saluti.

Sisto Gungui Malli, Brescia

Caro direttore,
«Il Papa di Moretti? Ritratto umano ma senza fede»: la lettura dell’articolo di Marina Corradi (Avvenire del 15 aprile) mi è stata di grande conforto; mi sento meno solo nel sostegno della Fede che, all’età di 84 anni, ho ancora la grazia di conservare, nonostante le distrazioni e i dubbi di certa scienza. Vado ripetendo Domine non sum dignus ma, come scrive il mio “coscritto” cardinale Martini nell’articolo pubblicato da Avvenire dello stesso giorno, mi sorregge la Speranza del Suo incontro, quando verrà la mia ora.
F.B.

Interroga e provoca diversi (e persino opposti) pareri l’ultimo film di Nanni Moretti. Si dirà che questo è quanto un’opera che aspira a essere d’arte può e deve fare, anche se non sempre ci riesce. Ma io – che ancora non ho trovato tempo e modo per vedere ‘Habemus Papam’, e che ho già affidato alla critica bella e acuta di Marina Corradi la ‘lettura ufficiale’ della pellicola (Avvenire, venerdì 15 aprile) – lascio volentieri la parola ad alcuni dei lettori e amici che ci stanno scrivendo in proposito con gusto, passione e – requisito essenziale – rispetto e buona creanza. Secondo un costume che è regolarmente praticato sulle pagine di Avvenire e anche altrove, ma che altrove – quando è Avvenire a praticarlo – suscita evidentemente stupore e soprattutto clamore.

Me ne occupo, qui, proprio per questo.La lettera aperta di Salvatore Izzo, valente vaticanista dell’Agi (una delle principali agenzie di stampa italiane), proponeva domenica scorsa un punto di vista argomentato e diverso dal nostro, con una proposta di ‘boicottare’ il film morettiano articolata con la verve caratteristica di quel collega giornalista che conosco e apprezzo da tempo. Per questo gli ho assegnato, in questa pagina di dialogo, il nobile spazio che – di quando in quando – diamo a liberi contributi, interni ed esterni al giornale, di quel tenore (’In cauda venenum’) o di tenore opposto (’Dulcis in fundo’).

Siamo fatti così, guarda un po’, noi giornalisti del quotidiano d’ispirazione cattolica. E lo facciamo così, questo giornale. Con la libertà di ragionare, di scegliere e di pubblicare anche opinioni altrui, a volte pure in forma di ‘ripresa’ da altri giornali. Perché ricordo quello che i nostri lettori sanno già benissimo? Perché quella mordace lettera è diventata la ‘parola’ di questo giornale.

Salvatore Izzo da qualcuno è stato addirittura proclamato sacerdote, anzi ‘Monsignore’. Potrei alzare le spalle e persino sorriderci su… Ma poi, domenica sera, in tv, qualcuno ha proposto a Moretti stesso una domanda sull’«editoriale di Avvenire» (testuale) che avrebbe proposto il boicottaggio preventivo del suo film… Adesso, qualcuno dirà che me la prendo sempre con Fabio Fazio e con il suo programma. Ma che cosa ci posso fare se Fazio fa spesso e volentieri operazioncine di questo tipo?Come posso non ricordare che è stato Fazio ad aver fatto finta di non vedere un mese di campagna di Avvenire («Fateli parlare») per chiedergli di dare voce in un suo programma di successo anche ai malati (e ai loro familiari) descritti come «vite indegne» da chi aveva fatto scelte di tipo eutanasico? E come faccio a non ricordarmi di aver personalmente scritto in quell’occasione almeno tre editoriali (che forse erano davvero «di Avvenire») per chiedergli non di portare in tv «portavoce» di un qualche movimento, ma di fare intelligentemente e onestamente spazio a storie vere (e silenziate) di sofferenza, di solidarietà e di bellissima resistenza umana e civile al dolore e all’abbandono di disabili e malati gravi?

Come faccio a non rammentare di aver avuto per tutta risposta una paradossale ‘lezione’ sulla libertà di chi non fa posto nei suoi programmi (e Avvenire quando mai glielo aveva chiesto?) a «portavoce di movimenti pro-life»? Insomma, gli editoriali di Avvenire sono tali, e meritevoli d’attenzione, solo quando lo decide Fazio. Forse semplicemente (e legittimamente, ci mancherebbe) lui Avvenire non lo legge. Il problema è che quando non vuole – o non può – evitarlo, ne parla lo stesso, a sproposito.

Quasi come Moretti che dice – a quanto pare anche a noi – «prima andate a vedere il mio film». Beh, è esattamente quello che i nostri critici hanno fatto, e Moretti in realtà lo sa. Risposta furba, la sua, a una domanda sbagliata e furbetta. I nostri lettori, che stupidi non sono, hanno deciso – o decideranno – in tutta libertà che cosa farsene di questa storia di celluloide. Io avrei ancora intenzione di andare a vederla (da cronista vado sempre alla ‘fonte’), ma se continua così mi faranno passare la voglia…

Tratto da Avvenire.it

Il Papa di Moretti? Ritratto umano ma senza la fede

sicomoroequipe — Sat, 16 Apr 2011 18:43:14 +0000

Piazza San Pietro è colma di fedeli, la fumata è bianca, la finestra è già aperta. «Habemus Papam», si annuncia. Ma il Papa non si affaccia. Il Papa di Nanni Moretti è amnesico, e drammaticamente depresso dopo l’elezione. Si chiude nelle sue stanze fra la costernazione dei cardinali e del mondo intero. Viene convocato in Vaticano un famoso psicoanalista, che naturalmente è Moretti stesso; ma il Papa scappa, vaga sui bus di Roma, sogna di far l’attore mentre Moretti, prigioniero del Conclave, gioca a scopa con i principi della Chiesa. Il mondo però non può attendere oltre: il Papa, ricondotto a San Pietro, annuncia Urbi et Orbi che non ce la fa, nello sgomento collettivo, e rinuncia.

Habemus Papam è un film ben fatto. Si sorride nell’ironia e autoironia di Moretti, che avviluppa questo moderno “gran rifiuto” nel consueto groviglio di una tentacolare psicoanalisi che avviluppa ogni cosa, senza peraltro guarirne nessuna. Come non sorridere guardando la elegante faccia da “sessantottato” di Moretti che racconta ai cardinali perché la moglie, naturalmente anche lei psicoanalista, lo ha lasciato per un altro psicoanalista? E quel Papa smarrito, un grande Michel Piccoli, non fa forse tenerezza mentre cerca se stesso per Roma, e non si trova? Anche i cardinali sono raccontati con una simpatia affettuosa, uomini semplici che giocano a carte e a pallavolo per ingannare l’attesa. Purtroppo, appunto, questa Chiesa amichevolmente raccontata dietro le quinte del Conclave sta per finire: giacché il successore di Pietro, smarrito, rifiuta.

Insomma, questa volta non la Messa (per citare un suo precedente film, La Messa è finita, del 1985), ma proprio la Chiesa è finita. Non c’è acrimonia nel film, anzi quasi un’ombra di malinconia. Come le condoglianze di Moretti al capezzale di una grande vecchia, per cui si aveva una qualche simpatia. Chi guarda, pure sorridendo, non può non vedere però che questa Chiesa non è quella reale, ma quella che Moretti immagina.

Fateci caso: tra i 107 cardinali che vegliano in un momento così grave, c’è chi fa i puzzle e chi beve tranquillanti, ma il regista non ne immagina nemmeno uno che preghi. Già, che preghi: non uno che domandi a Dio. Una dimenticanza non casuale. Nello sguardo di Moretti la Chiesa è fatta solo dagli uomini, e Dio è il grande latitante – per non parlare dello Spirito Santo, che in questa elezione avrebbe clamorosamente fallito. E come il povero Papa depresso, anche i cardinali, pure così simpatici, sembrano prescindere dal primo fondamento della fede cristiana: cioè l’essere in Cristo, cioè il radicale costante rapporto con la carnale concretezza di Cristo. Brava gente, generosa, che però non sa a che santo votarsi. Certo, una Chiesa senza Cristo sarebbe destinata a finire. Non è andata così, da duemila anni a questa parte, ed è strano. Tutti gli imperi, i regni, i partiti, le rivoluzioni, tramontate. E il trono di Pietro ancora lì – inspiegabile.

Lo sguardo pure acuto di Moretti vuole vedere nella Chiesa solo una faccenda di uomini. Cresciuto nei tentacoli di una psicoanalisi di cui sa sorridere, Moretti non si accorge che la Chiesa di Habemus Papam è solo, per usare il gergo psicoanalitico, una sua “proiezione”. Ha immaginato la morte di una Chiesa vecchia e confusa, ma gliene è sfuggita l’essenza: l’essere la Chiesa “corpo e membra” di Cristo. Film elegante, con bravi interpreti, che può piacere a Cannes. Il film di cui il pubblico, uscendo dalle sale, dirà: carino e intelligente. Attenzione però a quella profonda dimenticanza, a quel non sapere vedere l’essenziale in questa vecchia Chiesa, che tuttavia sopravviverà anche a Freud e ai suoi eredi. Cioè, grazie delle gentili condoglianze, ma la Chiesa – cioè noi, credenti in Cristo – siamo ancora piuttosto vivi.

Marina Corradi – tratto da Avvenire.it

Da rivedere – Una storia vera

sicomoroequipe — Sun, 27 Feb 2011 17:23:50 +0000

Un uomo anziano affronta un viaggio impossibile – attraversando l’America a bordo di un tagliaerba – per riconciliarsi con il fratello malato con cui aveva interrotto ogni rapporto vent’anni prima. In una sorta di percorso espiatorio, fatto di incontri e circostanze, il film ci mostra una singolare figura ricca di umanità e di sofferta conoscenza della vita, e il suo stupore di fronte al creato.

Il vero “ritornello” che funge da legante e rivelatore è il cielo stellato: segno reale e misterioso, luogo delle domande più profonde, prima immagine e conclusiva, quando, dopo l’incontro tra i fratelli, il viaggio idealmente continua verso le stelle.

Un viaggio come una via crucis, dove ogni passo, carico di peccato, diventa leggero quando viene confessato a sé stessi e al mondo, alla conquista di pace e perdono.

Tratto da Sentieri del Cinema

Povera Maria, nessuno le chiese scusa

sicomoroequipe — Sun, 13 Feb 2011 11:20:37 +0000

Oggi alcuni andranno in piazza in difesa della donna, della figura della donna e di come oggi se ne abusa in ogni ambito: spettacolo, cronaca, gossip ed altro.

Gli organizzatori che hanno promosso questa manifestazione sono però quelle che hanno, fino a ieri, promosso una cultura che non solo ha reso il sesso oggetto e lo ha banalizzato, ma si è spinto anche oltre, promuovendo, in una difesa distora della donna, l’aborto come diritto, il divorzio facile come rimedio, profilattici ai ragazzi, educazione sessuale in pura funzione fisica che di rispetto della sacralità della persona.

Hanno invaso di vagonate di donne nude copertine e siti di giornali di riferimento. Hanno bollato come vecchie e sorpassate le opinioni di chi vuole riportare il discorso in un ambito più umano.

Un moralismo e una manipolazione (evidentemente solo politica) che puzza ancora una volta di una verità a senso unico: la loro. E invece non è di contrapposizione manipolata quello di cui abbiamo bisogno tutti.

Non sentirete oggi parlare di donne come Eluana Englaro, di Asia Bibi, della signora che ospita i poveri a Rimini, di Margherita Coletta. Non sono funzionali al messaggio politico dei “maitre a penser” di oggi.

E tal proposito, vi consigliamo di leggere questo articolo, tratto da Sentieri del Cinema di Beppe Musicco, su Maria Schneider, protagonista del film Ultimo tango a Parigi, e di come come le persone, in nome di una certa cultura, possano prendere ed usare altre persone. Una donna, guarda caso.

Povera Maria, nessuno le chiese scusa
Chi era giovane negli anni ’70 ricorda ancora il grande scalpore che avvolse Ultimo tango a Parigi e lo scandalo che alcune scene suscitarono (soprattutto la celeberrima sodomizzazione con il burro), al punto che la censura decise di distruggere tutte le copie. Tutta pubblicità gratuita, come molti protagonisti del tempo ammisero. Il film scandalo di un uomo e una donna che infrangono le regole diede improvvisa notorietà a Maria Schneider, ma evidentemente fu pagata a caro prezzo: dopo il film successivo, Professione reporter di Antonioni, la Schneider ebbe solo piccole parti in prodotti per la tv; in compenso da subito denunciò l’abuso che era stato fatto di lei nel film, forzandola psicologicamente a tal punto da sentirsi violentata.

Una cosa che non si stancò mai di ripetere, ma che evidentemente non interessava a chi esaltava il film come un capolavoro assoluto, che avrebbe contribuito a cambiare i costumi della società. Infatti questo è successo, tanto che agli occhi ormai abituati a tutto dello spettatore contemporaneo, le scene scandalose appaiono ormai ampiamente superate dal gusto dei tempi, mentre sono sempre meno quelli che si arrischierebbero a definire il film un capolavoro.

Queste cose ci vengono in mente in questi giorni, dopo la notizia della morte di Maria Schneider, che almeno in questa occasione avrebbe meritato qualcosa di più delle parole pronunciate di Bernardo Bertolucci, regista di Ultimo tango a Parigi: “Mi spiace che non ci sia stato il tempo di chiedere scusa a Maria”. In 37 anni, poverino, non l’ha mai trovato.

Beppe Musicco

Senna

sicomoroequipe — Sun, 13 Feb 2011 11:01:01 +0000

Un documentario? Molto di più. Senna, diretto da Asif Kapadia (regista inglese di origine indiana), racconta sì la vita e la morte del grande pilota Ayrton Senna, e lo fa con l’utilizzo di immagini di repertorio notevolissime (della famiglia e degli archivi della Formula 1). Ma è un film a tutti gli effetti, con l’uso sapiente di tutti i possibili mezzi, tecnici e narrativi, che il cinema – il grande cinema, vorremmo dire – mette a disposizione (non a caso produce la Working Title, notissima casa cinematografica inglese, che ha relizzato da Quattro matrimoni e un funerale a Notting Hill).

C’è l’infanzia e l’ascesa di un eroe, ma anche la sua tragica fine (Senna morì l’1 maggio 1994 a Imola in un incidente quasi assurdo per la sua dinamica), la sua grande passione per le corse e il suo coraggio – che per i detrattori diventava temerarietà – e il suo incredibile talento (vinse tre titoli mondiali), l’amore per la sua famiglia e la sua grande fede, il fascino (ricambiato) sulle belle donne, gli avversari che diventano “antagonisti” in senso narrativamente forte, scene d’azione (con le telecamere montate sulle macchine da corsa) di grande impatto emotivo, la lotta per le vittorie con suspense quasi da “thriller” sottolineata da musiche toccanti… E poi sentimenti forti, tanto che in vari momenti si fatica a trattenere la commozione. Anche se non si conosce nulla di questo sport e di questo straordinario campione.
Soprattutto, non c’è furbizia in questa operazione. Anzi: se Senna è un bellissimo film, assolutamente da non perdere, è perché chi l’ha realizzato – ottenendo il difficile beneplacito della famiglia, che aveva sempre bocciato operazioni analoghe – si è mosso con grande rispetto verso il personaggio Ayrton, riuscendo così a restituire davvero la sua ricca umanità. Umanità raccontata dai tanti che gli volevano bene: dai genitori alla sorella, dai giornalisti ai manager, perfino dal medico ufficiale delle corse (latitano un po’ i colleghi automobilisti).

Impressiona in particolare quel carattere vitale ma anche pronto a incupirsi, il desiderio di migliorarsi sempre e di non tirarsi mai indietro, lo straordinario rapporto con la famiglia, l’amore per il suo popolo davvero speciale (una delle scene più emozionanti è quando per la prima volta Senna vince in maniera epica il Gran Premio del Brasile, in condizioni fisiche proibitive), il suo rapporto con Dio fino all’ultimo giorno della sua vita: il ringraziamento per il suo talento e le sue vittorie (“Ho sentito la sua presenza”, disse dopo la prima vittoria), il conforto nei momenti di difficoltà (e dopo un grave errore che provoca un incidente, “ho imparato molto, mi sono avvicinato a Dio”), quasi il presentimento dell’abbraccio con il Padre la mattina di quella tragica corsa…
Sono notevoli anche la ricostruzione della rivalità acerrima con Alain Prost (ma che bello l’epilogo di questo rapporto controverso: c’era anche Alain – oggi nel Consiglio della Fondazione Senna – a sollevare la bara ai funerali) e la sua battaglia con il “sistema”, che a un certo punto lo prende di mira (il boss della F1, il francese Jean-Marie Balestre, parteggiava spudoratamente per Prost), immagini mai viste prima di riunioni tra capi e piloti dove emerge l’onestà e il carattere fiero di Ayrton, la sua insofferenza alle ingiustizie (tra cui una squalifica vergognosa) e alle falsità; anche il senso di disagio in un’occasione in cui è lui, per reazione, a compiere una brutta scorrettezza al rivale di sempre.

E quando, per cambiamenti tecnologici nefasti, le macchine presero il sopravvento sull’uomo causando in pochi mesi incidenti gravi e talvolta mortali, fu l’unico a lanciare – inascoltato – il campanello d’allarme. Quella mattina dell’1 maggio 1994, scosso dalla morte del pilota Ratzenberger in prova, sembrava non voler scendere in pista per il GP di Imola. Andò, invece, incontro al suo Destino, quasi con consapevolezza. Una morte che fece piangere tante persone, non solo chi genitori e congiunti ma sportivi, appassionati, l’intero popolo brasiliano. Una morte che faceva interrogare, per la sua fatalità (se l’impatto fosse avvenuto poco sopra o poco sotto si sarebbe salvato; il corpo era senza fratture). Una morte che diventa un abbraccio eterno, come svela la lapide sulla sua tomba, con la frase di San Paolo: “Niente mi potrà separare dall’amore di Dio”.

Antonio Autieri tratto da Sentieri del Cinema

The blind side

sicomoroequipe — Sat, 20 Nov 2010 19:59:43 +0000

Può succedere che un ragazzo senza casa né famiglia, apparentemente già sconfitto dalla vita, diventi una stella dello sport? Sì, può succedere. E lo racconta il film The Blind side, diretto da John Lee Hancock: la protagonista è una madre di famiglia (Lee Ann Tuohy, interpretata da Sandra Bullock) che incontra il giovane “Big Mike” Oher, un ragazzo orfano di padre e con la madre tossicodipendente, che frequenta la stessa scuola dei suoi figli. Vedendolo camminare a capo scoperto di notte sotto la pioggia, Lee Ann e suo marito sono mossi a pietà e decidono di ospitarlo a dormire a casa propria. “Big Mike” non brilla affatto a scuola e, nonostante la sua stazza gigantesca, è un ragazzo timidissimo e inoffensivo: col tempo la famiglia Tuohy si affeziona a lui e “scommette”, letteralmente, sulla sua redenzione. Così quella che doveva essere l’accoglienza di pochi giorni diventa un’adozione in piena regola. Nel frattempo Mike diventa un ottimo giocatore di football americano e, con l’aiuto di un’insegnante privata, i suoi voti riescono a migliorare consentendogli di diplomarsi contro ogni previsione e di andare all’Università, dove ottiene un ingaggio da parte di una prestigiosa squadra di football americano: i “Baltimore Ravens”.
Storia vera a lieto fine di un amore gratuito, The Blind Side mescola impegno e commedia riuscendo a comunicare in maniera leggera un tema serio come quello della scommessa sull’educazione. Grande interpretazione di Sandra Bullock (premiata con un Oscar, un Golden Globe, uno Screen Actors Guild Award, un Teen Choice Award e vari altri premi come migliore attrice protagonista) e degli altri attori, che “reggono” degnamente una sceneggiatura anch’essa ottima.
Nonostante il film possa apparire poco appetibile ad un pubblico italiano a causa dei riferimenti al complicatissimo sistema scolastico americano e al football come metafora della vita (proprio questo ne aveva inizialmente scoraggiato la distribuzione nei cinema nazionali), esso promette di appassionare gli spettatori grazie alla storia edificante e profondamente umana, specialmente per chi ama le storie di “successi imprevedibili”.

Gianmaria Spagnoletti tratto da Sentieri del Cinema

Uomini di Dio

sicomoroequipe — Sat, 20 Nov 2010 19:55:46 +0000

A Cannes 2010, dove vinse il gran premio della Giuria al festival di Cannes (in pratica il secondo premio, ma meritava la Palma d’oro), sorprese la commozione e la stima conquistata in una critica che non ama certo i film “religiosi”. Ma ancor più clamoroso è stato poi il clamoroso successo in Francia (dove il fatto che racconta è ben noto, mentre da noi molto meno) con oltre tre milioni di spettatori nelle prime settimane di uscita che hanno già visto trasformando Des hommes et des dieux in un fenomeno culturale imprevedibile.
Il titolo italiano Uomini di Dio ha fatto discutere: la traduzione letterale sarebbe “Uomini e dei”, a sottolineare il rapporto tra diverse religioni e non la focalizzazione solo su “questi” uomini di Dio. Però poi il film di Xavier Beauvois fa una scelta (narrativa) di campo: racconta la vita e la morte di un gruppo di monaci cistercensi francesi nell’Algeria degli anni 90, insanguinata dalla guerra tra i terroristi del Fronte Islamico di Salvezza e il regime militare corrotto dell’epoca. I sette vivono nel convento di Thibirine nell’amore, ricambiato, per la popolazione musulmana dei dintorni, che vede nei monaci cattolici un punto di riferimento e di sicurezza. E anche di aiuto concreto soprattutto per le cure mediche che uno dei religiosi (frère Luc) riesce ad assicurare a tutti, senza distinzioni, ma con particolare riguardo a donne e bambini. Le cose, si avverte, non però così idilliache – e infatti i fondamentalisti della GIA erano in azione già da anni – ma è la strage di un gruppo di operai croati cristiani, in un cantiere nei dintorni, da parte dei rivoluzionari islamici a far capire ai monaci che sono in pericolo. Di lì a poco un’irruzione nel convento farà temere il peggio, ma non avrà conseguenze; anzi, instilla nel capo dei terroristi una forma di rispetto per frère Christian de Chergé, priore del convento, fermo nella sua fede (i terroristi, fra l’altro, irrompono, la notte di Natale) e mite al tempo stesso. Ma nel gruppo di religiosi serpeggia la paura, non tutti sono disposti ad aspettare una morte, possibile se non probabile. Passeranno lunghi mesi, tra la tentazione di scappare e tornare in Francia e la convinzione di assolvere a un compito più grande, nella fede profonda in Cristo e nell’amicizia reciproca tra di loro, confortando un’ancor più impaurita popolazione misera e bisognosa del loro aiuto. Finché il momento del martirio, per sette di loro, si compirà. Importa sapere se furono davvero i terroristi che li rapirono o l’esercito che li inseguiva per far ricadere su di loro il sangue dei monaci?
Uomini di Dio ha appunto il merito di rievocare una pagina nota (dalle prime tensioni del 1993 all’uccisione del 1996) a pochi del lungo capitolo dei martiri cristiani del 900. Il regista Xavier Beauvois, con uno stile austero degno di maestri del passato quali Dreyer e Bresson e solo qualche accenno retorico ma giustificato nel finale, mette in luce l’umanità dei religiosi, nei quali alberga l’umanissima paura ma anche un amore incrollabile in Cristo e nel loro prossimo. Anche dei terroristi, di cui non ci si augura il male (vengono curati anche loro, la morte del capo suscita compassione); ma il film non fa sconti sulla loro crudeltà, come si vede bene nella scena del massacro degli operai croati.
Ma prevale l’amore, in questo film, che fa dire a frère Christian (al libro Più forti dell’odio, da cui sono tratte lettere e testi del priore e dei suoi confratelli, si ispira il film) in un testamento che il film fa “leggere” nel finale, parole che non sfuggono il martirio ma nemmeno lo cercano (temendo che la colpa ricada indistintamente sull’amato popolo algerino). Soprattutto parole, commoventi, che esaltano la vita più che la morte, abbracciando anche l’assassino di cui non si conosce ancora il volto ma di cui si intuisce l’arrivo.

Antonio Autieri tratto da Sentieri del Cinema

Al cinefestival di Roma la scuola non ha futuro

sicomoroequipe — Mon, 01 Nov 2010 17:07:45 +0000

«Io sono un professore. E conosco professori che acquistano droga dai loro allievi. Qualche collega si offenderà per quello che dico. Ma questa è la realtà». Che fatti simili accadano, si può discuterne. Che diventino lo snodo centrale di La scuola è finita – primo film italiano in concorso al Festival di Roma, che lunedì ospiterà Bruce Springsteen – spiega la forte perplessità (per usare un eufemismo) con cui la pellicola del professore Valerio Jalongo è stato accolta ieri alla rassegna romana.

Come il titolo annuncia, della realtà scolastica questo film (interpretato da Valeria Golino, Vincenzo Amato, Fulvio Forti e Antonella Ponziani, dal 12 novembre nei cinema) fornisce un ritratto a dir poco desolante. Jalongo dice di parlarne per esperienza diretta: «Per tre anni ho girato un video-diario delle mie esperienze d’insegnante. Vi posso garantire che tutto quello che vedete in La scuola è finita è vero. Il clima depresso, privo di slanci, la mancanza di gioia. E poi gli ambienti degradati, la noia e il cinismo dei ragazzi, la tacita tolleranza verso la droga, che circola liberamente in aule e cortili. Nel 68 si lottava contro l’autoritarismo dei professori. Ma oggi siamo arrivati all’eccesso opposto».

Il che può anche essere condivisibile. Quel che appare discutibile, invece, è il sistema adottato dai due insegnanti del film – la Golino e Amato – proprio per recuperare il ragazzo che spaccia durante la ricreazione. Lei sceglie la via sentimentale. «Ma poiché è una donna, oltre che un’insegnante – ammette l’attrice –, finisce per provare per l’allievo un sentimento eccessivo, ambiguo». Il professore, invece, decide di avvicinarlo mettendosi al suo stesso livello. «Così si mostra amante del rock, emulo di discorsi e atteggiamenti adolescenziali – spiega l’attore –. E assieme a lui arriva perfino a drogarsi». Ma non teme, il professore Jalongo, che tutto ciò possa risultare diseducativo proprio per quei ragazzi ai quali dice di aver dedicato il film? «Io preferisco professori come questi – risponde –, che sbagliano, ma almeno in buona fede, piuttosto che quelli annoiati, demotivati, che vivono la scuola senza gioia e come se fosse una semplice routine. Almeno loro cercano di risolvere i problemi». Riuscendoci? No, almeno a giudicare dai disastrosi risultati.

«Ma il film non poteva proporre un finale positivo – motiva la sceneggiatrice Francesca Marciano –, perché non sarebbe stato aderente alla realtà. La storia del nostro protagonista rappresenta quella di moltissimi, autentici studenti. E la loro realtà è questa».

«Il mio film non vuole essere una denuncia sociale contro l’inadeguatezza della scuola – aggiunge il regista –, ma il racconto di un percorso interiore di liberazione. Forse alla fine, nonostante tutto, il protagonista avrà conosciuto qualcosa di sé. Forse avrà capito gli errori degli adulti. Forse tutto questo lo aiuterà a rendersi libero». Già. Forse.

Giacomo Vallati Tratto da Avvenire.it